Ce n’est pas tous les jours que sort un film entièrement composé de monologues, comme c’est le cas avec le drame récent de Frederick Wiseman, “Un couple,” qui braque les projecteurs sur Sophia Tolstoï et son mariage malheureux avec Léon Tolstoï. Ce n’était pas le seul film de 2022 à utiliser un monologue de manière surprenante. En août, le curieux thriller psychologique “Resurrection” en a présenté un plus long que n’importe quel autre dans “A Couple” et probablement le plus long à l’écran de toute l’année. Et dans “Till”, qui raconte le meurtre brutal d’Emmett Till en 1955, une photo clé de la salle d’audience de la mère d’Emmett, Mamie Till-Mobley, à la barre est retenue pendant plus de six minutes, chaque seconde remplie d’émotion.
Ces trois films très différents exploitent la puissance des longs plans où l’on est face à face avec un personnage en train de parler. Ce n’est pas une coïncidence si les trois personnages sont des femmes, car chaque film fait de la place pour que leurs expériences soient écoutées et centrées. (Deux autres parutions récentes soulignent l’importance de s’exprimer directement dans leurs titres : “She Said” et “Women Talking”.) La durée de ces plans attire notre attention : comme la caméra, nous ne nous détournons pas, notre concentration est entraînée sur une personne en un instant. Et dans ces scènes particulières, il y a une crudité, une candeur à nu, qui les empêche d’avoir la sensation d’une vitrine d’acteur. Nous sommes attirés de près, pas exécutés.
Dans “Résurrection,” Rebecca Hall parle pendant sept minutes, dans la pénombre feutrée d’un bureau après les heures de travail, à un stagiaire qu’elle a encadré. Jusqu’à présent dans le film, nous avons vu le personnage de Hall, Margaret, cadre respectée et mère célibataire d’un adolescent, se défaire après l’arrivée de quelqu’un de son passé, David (Tim Roth). Son monologue est un récit de sa relation avec lui quand elle était plus jeune. David, un ami de ses parents, l’avait soignée et initié une dynamique baroque de sadisme et d’éclairage au gaz. Les deux ont eu un bébé, vivant seuls ensemble dans l’arrière-pays canadien, et Margaret décrit avoir laissé le bébé avec David à un moment donné.
Il nous reste à comprendre que le bébé a subi un sort terrible entre les mains de David – une révélation écrasante qui survient environ 40 minutes après le début du film. Mais Hall livre cette histoire effrayante avec un ton parfois triste et méditatif, comme il sied à un souvenir avec lequel elle a vécu mais contenu comme du plutonium pendant des années. Bien qu’elle se soit échappée de la prison de leur relation, son terrible chagrin et sa culpabilité sont restés. Peut-être à cause de la longueur du monologue et de sa présentation sans fioritures, Hall a déclaré qu’elle s’était souvenue de l’expérience accrue du jeu de scène, qui se manifeste dans sa prestation modulée et la tension palpable dans l’air.
L’extrémité de l’expérience peut sembler presque surréaliste, et le monologue de Margaret se double bien sûr d’une déclaration selon laquelle elle a survécu et vécu pour raconter cette histoire seule. Alors que le film continue, elle lutte toujours pour exorciser les démons du chagrin et de la culpabilité, ressentant une panique protectrice en tant que mère à cause de l’arrivée de David, tant d’années après avoir déménagé et changé de nom. Mais pendant toute la durée du monologue, elle est capable d’occuper un espace sans intrusion ni exigence, et de se décharger, presque dans un moment de thérapie impromptue. Au fur et à mesure que “Resurrection” progresse de manière (cathartique) macabre, il puise dans le puits d’émotion de ce monologue.
Un autre film de genre, “Perle” de Ti West utilise également un monologue de marathon avec un effet formidable mais très différent. Mia Goth joue le personnage principal, une fille de ferme qui, parlant à un ami, avoue ses pulsions violentes – ainsi que les meurtres qu’elle a commis. La pièce de plus de cinq minutes (qu’elle livre comme si elle s’adressait à son mari) ouvre le film d’une nouvelle manière, car aussi horrible que ce que dit Pearl, sa douleur et son désespoir sont également évidents. Dans le conte d’horreur aux couleurs vives de West, tout cela est joué plus ouvertement pour un humour déjanté, et Goth (qui a été nominé pour un Prix de l’esprit indépendant pour sa performance) continue son saccage fou alors que Lizzie Borden rencontre Pippi Longstocking.
Les extrêmes de genre mis à part, les deux monologues impliquent le partage d’histoires d’une grande violence, et la violence est au cœur du témoignage de Mamie Till-Mobley, qui brise le silence brutalement imposé du Jim Crow South. “Till” de Chinonye Chukwu aborde le meurtre d’Emmett Till et l’héroïsme de sa mère, Mamie (Danielle Deadwyler), avant, pendant et après le procès de ses assassins, qui se déroule comme une parodie de justice. La séquence de la salle d’audience transcende ce à quoi nous avons été formés, les révélations dramatiques, les ripostes et les objections.
La caméra tient fermement Deadwyler alors que Mamie est interrogée sur la façon dont elle a identifié son fils après la découverte de son corps. C’est une ligne de questionnement intrinsèquement cruelle qui transforme la sauvagerie défigurante de son meurtre en prétexte pour douter d’elle. Deadwyler et Chukwu transforment à nouveau la scène en quelque chose d’autre, une démonstration de détermination, de colère juste et d’amour. Mamie tient bon avec dignité et sang-froid, dans une réprimande à un tribunal qui vient de laisser un shérif témoigner qu’Emmett Till doit être vivant et se cacher quelque part. Son témoignage (qui incorpore des lignes de transcriptions judiciaires) est filmé dans un premier plan de profil qui tourne lentement de front. Deadwyler commande l’écran de telle manière que ses lignes se sentent unifiées en un seul texte qui demande à être entendu.
L’amour de Mamie pour Emmett s’élève au-dessus de la corruption de la cour, et le regard fixe de la caméra en témoigne. Deadwyler ferme les yeux en expliquant qu’elle pouvait reconnaître le corps de son fils même dans cet état terrible, et le geste découpe un instant dans un instant, capturant l’intimité de l’amour maternel et la douleur insondable de l’expérience. Finalement, la scène commence à faire des allers-retours entre Mamie et son interlocuteur, mais une réponse décisive surgit lorsqu’on lui demande d’identifier une photo. Elle répond avec indignation: “Cette photo est celle de mon fils après que le Mississippi l’a renvoyé mort à Chicago.” C’est littéralement Mamie qui dit la vérité au pouvoir: les faits nus du voyage d’Emmett dans un État séparé gouverné par la terreur et la violence racistes. La prise prolongée aide à exprimer comment Mamie tient bon et se tient dans cet espace hostile. Nous ne pouvons pas détourner le regard – et nous ne devrions pas, comme elle l’a soutenu lors de l’exposition publique du corps de son fils.
“Saint Omer” — triomphe aux festivals d’automne et candidat de la France au meilleur long métrage international aux Oscars — témoigne également d’un traumatisme bouleversant, d’une complexité folle. La scénariste-réalisatrice, Alice Diop, adapte l’histoire vécue de Fabienne Kabou, une femme condamnée à 20 ans de prison pour avoir tué sa petite fille, qu’elle a laissée se noyer sur une plage. Le film, qui s’ouvre le 13 janvier, est raconté du point de vue d’un romancier, Rama, qui assiste de manière obsessionnelle au procès, comme en fait Diop.
Comme le personnage de Kabou, rebaptisé Laurence Coly, Guslagie Malanda garde une expression faussement impassible, plutôt comme un épuisement spirituel. Coly elle-même travaille toujours à travers son avalanche d’émotions et n’est certainement pas prête à donner une performance préparée de remords. (“Certaines choses sur lesquelles vous ne pouvez pas être clair”, dit-elle.) Dans son témoignage et d’autres, un battement de tambour de traitement raciste envers Coly émerge, et des observateurs dans la salle d’audience, en particulier Rama (Kayije Kagame), semblent s’identifier à Coly plus qu’avec l’accusation. En une seule longue prise, Malanda en Laurence raconte la nuit de la mort du bébé, dans une transe douloureuse.
Mais Diop s’attarde encore plus sur l’avocat de Coly, Maître Vaudenay (Aurélia Petit), lorsqu’elle fait sa déclaration finale, un appel à l’empathie et à la solidarité féminine. La caméra reste sur Petit dans un gros plan prolongé alors qu’elle parle avec assurance mais aussi émotion. La scène donne à chacun dans la salle d’audience, et au public, un moment pour respirer, pour absorber ce qu’ils ont vu, entendu et ressenti. “Saint Omer” incline vers le traitement et la compréhension, plutôt que simplement “passer à autre chose”.
Dans tous ces films, ces moments soutenus, entièrement dédiés à chaque femme, favorisent une sorte d’adresse directe qui semble dissoudre l’écran. Il en résulte un acte de confiance, de réflexion et de courage, tout à la fois.
Photos en haut : Orion Pictures (« Till »); IFC Midnight (“Résurrection”); Zipporah Films (“Un couple”); A24 (“Perle”); Néon (“Saint Omer”)
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